Потребление музыки исторически было тесно связано со средой, в которой ей наслаждаются. До появления музыкальных записей прослушивание музыки было социальной деятельностью, связанной с коллективными ритуалами в физических пространствах, таких как концерты или небольшие общественные собрания. С развитием музыкальных пластинок и теперь, когда у нас под рукой практически любой вид музыки, прослушивание музыки стало более уединенным и рутинным занятием. Однако возвращение к истокам коллективного музыкального опыта может открыть многочисленные преимущества, столь необходимые в наш изолированный цифровой век. Эти коллективные музыкальные мероприятия могут значительно повысить социальную сплоченность сообщества и улучшить его психическое здоровье посредством совместного незабываемого опыта.
Физический аспект этих явлений нельзя недооценивать. Именно здесь в дело вступают инновационный дизайн и архитектура, превращая простое пространство в катализатор любопытства, превосходства и коллективной радости. Используя новейшие технологии и способствуя междисциплинарному сотрудничеству, дизайнеры и архитекторы могут создавать среду, которая превращает концерты и музыкальные ритуалы в преобразующие и заземляющие моменты.
В сценическом дизайне
Художники-постановщики играют решающую роль в создании физического пространства, где музыкальные исполнители могут рассказывать истории. Эта роль зародилась в театре и использует различные инструменты и методы, такие как образы, архитектура, яркий свет, дымовые машины и светоотражающие материалы, чтобы передать повествование, одновременно удерживая внимание аудитории. Они тщательно продумывают пространственную планировку, использование света и тени, а также размещение реквизита и декораций, чтобы создать визуально привлекательный и захватывающий опыт для зрителей. Создание этих пространств существует на стыке художественного мышления, повествования и музыкального направления.
Нет лучшего примера, объясняющего эффектный сценографический дизайн и повествование в музыкальных произведениях, чем работы Эс Девлин. Художник и сценограф, она открыла свою студию почти 30 лет назад и разработала более 400 проектов, в том числе сцены для туров по стадионам, театральных фестивалей и показов. С помощью монументальных архитектурных элементов, скульптур, кинетических декораций и проекций она создает впечатляющие музыкальные декорации. Среди артистов, с которыми она работала, — U2, The Weeknd, Канье Уэст, Адель и Бейонсе. Ее практика началась с оформления театральных декораций и с тех пор расширилась до общественных скульптур, инсталляций и кураторской практики. Сейчас она известна как один из самых новаторских художников в области музыки.
На музыкальных фестивалях
Самые запоминающиеся музыкальные фестивали – это те, на которых присутствует хорошее искусство. Они становятся известными не только благодаря известным художникам, которых они представляют, но и благодаря разнообразным художественным инсталляциям. Они стали синонимом музыкального фестиваля и неотъемлемой его частью.
Примером тому являются запоминающиеся арт-инсталляции и сцены Coachella. В дополнение к разнообразному представленному искусству, сцены и их дизайн стали визитной карточкой фестиваля. Таков этап Do Lab. Сцена Do-Lab, зарекомендовавшая себя как важный аспект посещения концертов Coachella, стала культовым элементом Coachella. Если раньше здесь использовались масштабные палатки из яркой легкой ткани, то в этом году на сцене была представлена более сложная с архитектурной точки зрения инсталляция. Внутри каждой конструкции спрятаны 9 грибовидных капсул, состоящих из консольных рычагов. В результате получилась 360-градусная, полностью захватывающая среда, дополненная огнями, лазерами и дымовыми машинами.
Через цифровые проекции на постоянные конструкции
В последнее время произошел значительный шаг в направлении привлечения аудитории с помощью цифровых изображений и монументальной архитектуры. Это очевидно в росте масштабных сферических театров, которые используют 360-градусное искусство и цифровые проекции на знаковые здания. Такое сочетание цифровых и физических элементов может перевести музыку в визуальную форму и добавить глубину музыкальным выступлениям.
Примером может служить проекция произведения Рефика Анадола на Концертный зал Гери в Лос-Анджелесе под мелодию Филармонии Лос-Анджелеса. Во время выступления зрители видели быстро меняющиеся геометрические поля, яркие вспышки света и последовательности, напоминающие городские пейзажи и нейронные пути. Анадол превратил музыкальные элементы в визуальные, абстрактно и визуально пересказывая историю, рассказанную в текстах.
Переводя музыкальные символы в моменты визуального прозрения, этот проект пересказывает историю, которую Варез представляет в своем произведении. Сначала Варез намеревается исследовать «новые миры на Земле», и я создаю мимолетную ауру Нью-Йорка, комбинируя архитектурную структуру внутреннего пространства с проекциями, изображающими тот чувственный момент, когда Варез впервые встретил Нью-Йорк… Эти туннели позволяют мне переосмыслить архитектуру интерьера как холст, а свет как материал. — Рефик Анадол
Пространство имеет решающее значение для объединения людей, обеспечивая среду, которая может заземлить и погрузить их в общую историю. Несмотря на резкую критику в отношении углеродного следа временных музыкальных инсталляций, предпринимаются шаги, чтобы сделать эти впечатления более устойчивыми. Поскольку человечество адаптируется к проблемам изменения климата, мы должны уделить приоритетное внимание сохранению элементов, которые делают нас людьми, таких как способность собирать произведения искусства и вместе наслаждаться ими. Этот общий опыт важен для нашего коллективного благополучия и идентичности.
